El secreto de Vivian Maier

Hoy les traigo una historia digna de una película de Hollywood, la historia de Vivian Maier, una de las mejores fotógrafas urbanas de la segunda mitad del siglo XX y cuya obra fue descubierta por casualidad.
En 2007 un periodista, escritor y blogger llamado John Maloof preparaba un libro sobre los barrios de Chicago y buscaba fotos antiguas para ilustrarlo. En una casa de subastas compró un armario lleno de películas sin revelar. Empezó a estudiarlas, a revelarlas y se dio cuenta de que ahí había algo más que simples instantáneas de Chicago y Nueva York, se encontraba frente a uno de los más sorprendentes tesoros de la fotografía del s.XX, comparable con el trabajo de los grandes de la Street Photography, Diane Arbus Robert Frank, Henri Cartier-Bresson.

Comienza la búsqueda de la autora y tras meses, John Maloof encuentra por fin el nombre de Vivian Maier en internet. Era su obituario. Había muerto ese 2009, tan sólo tres días antes. Murió en el anonimato pero Maloof pudo empezar a reconstruir su vida. Vivian Maier, norteamericana de ascendencia francesa y austrohúngara, dividió su vida entre Europa y los Estados Unidos, regresando a Nueva York en 1951. En 1956 finalmente se instaló en Chicago, donde trabajó como niñera durante más de cuarenta años. Y nunca dejó de fotografiar las calles, sus gentes y especialmente a las clases más bajas, captadas con su Rolleiflex . Hacia el final de su vida, Maier se quedó en la pobreza viviendo en la calle durante algún tiempo. Pero los niños que había cuidado en la década de 1950 le compraron un departamento y pagaron sus facturas hasta su muerte en abril de 2009. Su legado son 100.000 negativos dotados de una modernidad, personalidad y calidad insólitos para la época y situación en que fueron tomados.
En la era de Instagram es difícil imaginar a alguien que estaba constantemente sacando fotos que nunca vió, que no enseñó jamás a nadie. Vivian tomó más de 100000 fotos durante su vida; imágenes de una belleza extrema, pero su humilde clase social no le permitió revelarlas.
No dejen de pasar por la web que reúne su legado (no se pierdan los autorretratos!) y les dejo el trailer del documental Finding Vivian Maier, que será estrenado en septiembre en el Festival de Toronto.

 

(Si, volví! después de unos meses de grandes cambios en mi vida vuelvo a escribir. Gracias a todos los que se preocuparon, me buscaron y mandaron mensajes, los quiero!)

Un nuevo Rodin?

La historia del escultor francés Rodin con su alumna y amante Camille Claudel nos conmovió. Y hoy una noticia nos vuelve a acercar a esta relación y a la triste vida de Camille.
El Museo Rodin de Paris decidió asociarse con un experto en arte para realizar una investigación que permita autentificar una estatuilla realizada en plata y sin firma, que podría ser obra del gran escultor francés.
Todo comenzó en 2011 cuando el experto Gilles Perrault presentó 25 años de meticulosas investigaciones sobre la estatuilla que, según él, es una "escultura expiatoria de un aborto" de Camille Claudel y habría sido realizada por Rodin en 1886.
La estatuilla, descubierta por un anticuario de Nantes en 1987, mide 22.5 cm de alto, se apoya sobre un zócalo y representa a una joven de pie y encorvada, con la cabeza inclinada hacia un lado. La mujer sujeta con una mano un pañuelo a la altura de la entrepierna y tiene la otra oculta detrás de la espalda. No lleva ni firma ni el sello de la fundición donde fue trabajada pero segun Perrault (escultor y ex jefe de taller en el museo del Louvre y en Versalles) todos los indicios llevan a Rodin: las similitudes constatadas (entre la estatuilla y la obra de Rodin) y las comparaciones estilísticas, incluyendo las hechas con dibujos de Rodin y con otras esculturas.
Además, hay que añadir una serie de cartas escritas en 1886 y 1887, después de un exilio de cuatro meses de Camille Claudel en Inglaterra, donde habría abortado. Segun el experto, "Esta estatua es, en cierta media, un exvoto de una Camille herida que esconde su sexo. Sabemos que abortó cuatro veces, lo que en aquella época era un crimen" Rodin prometió a la joven de 24 años casarse con ella, pero nunca cumplió su promesa.
Ahora la investigación tratará de encontrar a los diferentes propietarios de la estatuilla para llegar hasta la fuente y así poder determinar la autenticidad de la estatuilla. ¿Será? ¿Qué les parece esta historia?

Juicio al MET

El Metropolitan Museum of Art de Nueva York (MET) es uno de los museos más grandes y visitados de todo el mundo, ya que recibe más de 6 millones de visitas al año.
Pero esta vez no voy a hablar de los tesoros culturales del Museo, les voy a contar de sus problemas legales:  dos turistas checos y un ciudadano neoyorkino lo están demandando por “inducir” a los visitantes a pagar u$s 25 por la entrada, cuando se supone que la admisión es gratuita.
La historia es así: en 1970 y con la aprobación del Gobierno local, se estableció que el MET comenzara a cobrar una contribución voluntaria a los visitantes, siendo la suma de u$s 25 que figura en la entrada, una simple sugerencia del museo: cada uno puede pagar lo que considere. Toda persona que quiera ingresar al Museo primero debe adquirir su boleto, el precio de 25 dólares por adulto es una sugerencia y la palabra "recomendado" está escrita en pequeñas letras debajo. El hecho es que mucha gente, en especial turistas extranjeros,  no lo ven, no comprenden o simplemente no lo cuestionan.
La demanda establece que el museo usa marketing engañoso y entrena a sus cajeros para estafar al público haciéndolo creer que el monto es obligatorio. Alega que el museo se concibió para estar abierto a todo el mundo y tienen que aclarar que se trata de una donación. Además, busca una compensación a miembros y visitantes del museo que pagaron con tarjetas de credito en los últimos años.
¿Alguno de ustedes visitó el MET? ¿Recuerdan el momento del ingreso y qué monto pagaron?
Y si tienen la suerte de ir al Metropolitan, recuerden que son los visitantes quienes deben establecer lo que van a pagar por la entrada, no se dejen engañar!

Una taza china de u$s 2,2 millones

 

                                                                

Hoy tengo una historia de esas que tanto nos gustan y nos empujan a los mercados de pulgas:
Un vecino neoyorquino compró hace un tiempo un plato durante una venta de garage. El objeto le encantó porque le pareció bastante original y pagó u$s 3 para llevarselo a su casa.  Durante años decoró el modesto living de su casa, junto a otros platos que agradaban a los dueños del hogar. Solamente por curiosidad, lo llevó a casa de un anticuario donde le dieron una valuación muy buena y le ofrecieron comprárselo. Sorprendido, prefirió consultar con especialistas y resultó que su plato de la venta de garage era una extremadamente rara pieza de vajilla china Ding. La taza tiene unos mil años de antiguedad y fue usada por el emperador  o alguien de su familia durante la dinastía china Song. La vajilla Ding es una de las “cinco grandes” entre las porcelanas chinas de todas las épocas y de la que menos objetos es posible encontrar.
 La pieza, de 12,5 centímetros de diámetro, es de color blanco y tiene una forma acampanada, con figuras de loto esculpidas en su interior y terminó en Sothebys, donde habían estimado que el remate alcanzaría unos u$s 300.000. Pero la puja se disparó y terminó alcanzando la mayor cotización de mercado en subastas de arte chino de la presente temporada, al bajar el martillo en u$s 2,2 millones. Si, leyeron bien, estoy segura que el vendedor jamás tuvo el sueño que se le acaba de hacer realidad.
Crease o no, todavía hay tesoros dando vuelta esperando ser encontrados.

La Duquesa de Alba necesita cash

Noticias sobre la crisis económica en España no son ninguna novedad. Pero cuando los que tienen problemas de cash son nobles, eso sí se convierte en noticia. Hace apenas unos meses fue la baronesa Thyssen quien necesitaba efectivo y mandó a remate una obra maestra del paisajista inglés Constable. Ahora,  es la Duquesa de Alba quien necesita dinero y subastará sus muebles. Cayetana Fitz-James Stuart, la tercera mujer en dirigir la Casa de Alba en sus 539 años de historia, es la aristócrata con más honores nobiliarios del mundo y a quien seguramente recordarán por su reciente boda con Alfonso Diez, 25 años menor que ella.
En el mes de mayo la casa de remates Christies pondrá a la venta en Paris un conjunto de muebles art déco diseñados por el prestigioso artista francés Armand Albert Rateau. Se trata de siete lotes que se encontraban en diferentes lugares de la residencia de la familia o en otras de sus mansiones y que, según la familia, no forman parte de la colección histórica de los Alba ni guardan ninguna relación con la historia de España.

Par de lámparas de pie de pájaros valuadas en 2 millones de Euros

 El conjunto fue encargado a Rateau entre 1920 y 1921 por el XVII duque de Alba, Jacobo Fitz-James Stuart y Falcó, padre de la actual duquesa, como regalo de bodas a su esposa. Entre las tres principales piezas que se subastarán figuran dos lámparas de pie de pájaros de bronce patinadas en verde oscuro, cuya estimación está entre los 1,5 y los 2 millones de euros cada una y otras raras e impresionantes piezas de bronce: una mesa baja de los mismos motivos, de tapa de mármol, un tocador de tapa de mármol irisado y moteado, un canapé de cuellos de cisne de madera tallada y dorada, y un lit de repos con respaldo y reposapiés reclinable de madera dorada y tallada de motivos drapeados y pompones en bronce. Todo ello completado por la bañera de mármol blanco de Carrara incrustada inicialmente a ras del suelo, a imagen de un baño antiguo. Se espera recaudar unos ocho millones de euros por la venta y el dinero será usado ayudar al sostenimiento del patrimonio de la casa de Alba. ¿Alguien interesado en alguna pieza art decó?

Una historia de amor y performance

Marina Abramovic es conocida por sus performances y acciones registradas para dramatizarse en escenografías de fuerte barroquismo conceptual. El eje de su producción se halla en su propio cuerpo, al que plantea como un territorio para la experimentación y el cambio, soporte de toda su trayectoria artística. Pero no les quiero hablar sobre el trabajo de Marina en solitario, hoy les quiero contar sobre su historia de amor con Ulay.
La primera vez que Ulay vió a Marina fue en 1976 en Amsterdam. Ella estaba desnuda en público y se dibujaba con una cuchilla en el vientre la figura sangrante de una estrella, símbolo comunista. Fue más que un amor a primera vista. Ella era serbia, él alemán. Ambos nacieron un 30 de noviembre de años distintos. Se dedicaban, de alma, al naciente y marginal arte del performance. Se unieron carnal y espiritualmente y decidieron formar una especie de dúo artístico que llamaron “El Otro”. Pocas veces en la historia del arte una relación afectiva entre dos artistas ha dado tantos frutos a nivel creativo. Su complicidad y atracción, así como su excelente sintonía y entendimiento, les hizo crear un núcleo de trabajo centrado en su propia relación como pareja. Juntos pasaron años felices pero dificiles, su arte no les daba casi para comer.
En 1988 realizan una última acción en conjunto, The Lovers, comprometidos íntimamente con lo simbólico y donde aparece la idea de desgaste físico, pero también emocional. Marina y Ulay empezaron en solitario en dos extremos de la Gran Muralla China (él desde el desierto de Gobi, ella desde el Mar Amarillo) una larga caminata de 2.500 kilómetros que los llevaría a encontrarse en el centro. Cuando se encontraron, la pareja consumó su separación. Tras el abrazo final dejaron de verse y hablarse durante 23 años.
Mutuas infidelidades habían precipitado el final y los llevaron por caminos diferentes. Ambos continuaron sus carreras, Marina triunfó, Ulay no tanto.
El año pasado el MOMA presentó una retrospectiva de Marina, The artist is present, a la que asistieron 850.000 personas a lo largo de tres meses. Marina Abramovic pasó 176 horas y 30 minutos (durante todas las jornadas completas en que el museo estuvo abierto al público con su exposición) sentada en silencio en una silla mientras los visitantes, uno a uno, ocupaban la silla de enfrente y le sostenían la mirada durante unos minutos. La gente hizo cola noches enteras, días, para tener esa experiencia. Ella apenas se movía, pero les respondía con una mirada intensa y atenta, con tiempo y silencio. Uno de esos visitantes fue Ulay, después de 23 años después se reencontraron cara a cara.
Les dejo el video de ese momento, si tienen tiempo veanlo hasta el final, simplemente conmovedor.

Una cara para El Origen del Mundo

Una de las entradas más visitadas de este blog habla sobre El Origen del Mundo de Gustave Courbet, una obra icónica y legendaria. Esta pieza es una de las pinturas más famosas de todos los tiempos y sólo nos muestra el tronco desnudo de una desconocida sobre unas sábanas blancas con una dureza y un realismo que aún hoy causan cierto pudor.
Estos días la obra es noticia  porque la revista francesa Paris Match publica una sorprendente historia: la mujer desconocida tendría rostro. Todo comenzó en 2010 cuando un aficionado al arte compró un pequeño retrato horizontal de la cara de una mujer en un anticuario de París por 1.400 euros. El óleo no está firmado y muestra un rostro ladeado hacia atrás, una boca entreabierta. En 2012, el comprador pensó que se trataba de la obra de un maestro y decidió lanzarse a la búsqueda del autor. Sacó la tela del marco y se dio cuenta que el cuadro presentaba un corte en la parte de atrás, como si hubiera formado parte de una tela mayor. Luego descubrió, por un sello medio borrado que se veía en el reverso, el nombre de un marchante del siglo XIX. Buscando en Google se encontró con El Origen, tuvo un presentimiento, la imprimió en tamaño natural (46 x 55), la superpuso a su cuadro… Y voilà :  todo parecía indicar que la cara es la prolongación del cuerpo pintado, los colores y las proporciones se corresponden perfectamente. Y ahora, tras varios años de pesquisas y estudios, ha logrado que uno de los expertos en Coubert certifique que la pintura es del pintor francés. Las radiografías, rayos X, espectrometría de infrarrojos dan como resultado que los pigmentos, la capa marrón de los contornos, la largura de las pinceladas, todo correspondería punto por punto a El origen del mundo.
¿Será? las opiniones están divididas, otros expertos manifiestan su radical escepticismo y el Museo de Orsay, donde se expone la obra desde 1995, guarda un prudente silencio. ¿Ustedes que creen?

Hombres al desnudo

Los desnudos femeninos no son ninguna rareza en el arte. Muchas obras famosas de todos los tiempos y diversas exposiciones han tratado ese tema. El desnudo masculino, por el contrario, es un tema poco visto u olvidado. Eso va a cambiar con la exposición "Hombres desnudos" del Museo Leopold de Viena. La exposición incluye obras de grandes artistas: Albrecht Dürer, Peter Paul Rubens, Paul Cézanne, Auguste Rodin, Gustav Klimt, Edvard Munch, Giacometti Giovanni, Egon Schiele, Andy Warhol, Robert Mapplethorpe y Keith Haring, explorando diferentes enfoques, modelos masculinos y los cambios en la forma de representar el cuerpo, la belleza y los valores.
"Hombres desnudos" inauguró en octubre de 2012 y ayudó a aumentar en un 17 % la cifra de visitantes al museo, hasta los 364.000, convirtiendose en la exposición más visitada de la galería en el año. Lo curioso es que el Museo anunció que prepara una jornada para que, quien lo desee, pueda visitar desvestido la muestra. Si, el 18 de febrero, a partir de las 18 horas local, el museo abrirá sus puertas para quien desee visitar desnudo la exposición, después de haber recibido varias solicitudes al respecto por parte de asociaciones nudistas.
Esta iniciativa no es novedosa para este museo: en 2005 ofreció la entrada gratuita a quienes visitaran desnudos la exposición "La verdad desnuda: Klimt, Schiele, Kokoschka y otros escándalos". Esa jornada se convirtió en un éxito y centenares de personas visitaron la exposición en traje de baño o completamente desvestidos.
Si alguien va a estar de paseo en Viena, quiere recorrer una muestra sobre el desnudo masculino y el hecho de que siempre ha estado presente en el arte, pero no les interesa el nudismo, pueden visitarla hasta el 4 de marzo inclusive. O, si se animan y no se escandalizan, el proximo 18 de febrero es el día.

Un estafador para Modigliani

Nu assis sur un divan (La Belle Romaine)

Amedeo Modigliani, fue un pintor y escultor nacido en Livorno en 1884 y fallecido en París en 1920 después de una de sus míticas borracheras. Al tiempo que se celebraba el funeral, su última amante, Jeanne Hébuteme, con la que acababa de tener una hija y estaba de nuevo embarazada, decidió seguirlo al más allá tirándose por la ventana de un quinto piso. La hija de ambos, Jeanne, de 14 meses, fue dada en adopción a una hermana del artista y con el tiempo escribiría la historia de su padre y confiaría su legado a Christian Gregori Parisot, quien desde 1983 se viene ocupando de certificar la autenticidad de las obras de Modigliani.


Christian Gregori Parisot

Durante tres décadas Parisot se dedicó al noble arte de velar por el patrimonio de Amedeo Modigliani hasta que, en diciembre pasado, agentes de los Carabinieri lo detuvieron en Roma bajo la acusación de poner a la venta 59 piezas falsas del maestro de Livorno por más de seis millones y medio de euros.
La policia llevaba dos años investigando su modus operandi: Parisot organizaba exposiciones en todo el mundo (desde el castillo Ursino de Catania a Bangkok) con el objetivo último de captar posibles clientes para las falsas piezas de Modigliani que astutamente intercalaba con las originales. Cuando aparecía alguien interesado en la adquisición de algún desnudo femenino o algún busto africano de madera, Parisot conducía su interés hacia las obras falsificadas. Y tenía todas las de ganar: ¿quién iba a desconfiar de la autenticidad de piezas avaladas por el mismísimo Instituto Modigliani?
Y la estafa tiene muchos ceros: Un pequeño dibujo auténticamente falso de Modigliani superaba los 60.000 euros y una cabeza de bronce nunca bajaba de los 70.000. Ahora se le acusa de los delitos de falsificación, receptación y venta ilegal de obras de arte y se encuentra en arresto domiciliario. Mientras, la sede del Instituto Modigliani en el Palazzo Taverna se encuentra cerrada.
Modigliani fue un personaje bohemio y genial de la historia del arte. Vivió todo tipo de excesos alcohólicos, narcóticos y sexuales, y aún tuvo tiempo de dejar una obra inmortal. Si les interesa pueden ver la pelicula sobre su vida y su rivalidad con Picasso, protagonizada por Andy Garcia, acá el trailer.

Arte desde el psiquiátrico

Hay artistas cuya historia personal es tan fascinante, o más, que su propio trabajo. Podría hablar de varios casos en la historia del arte pero la protagonista del día es la japonesa Yayoi Kusama.
Inclasificable, excéntrica, experimental, original, inimitable es desde hace seis décadas la artista viva más prestigiosa de Japón. Y trabaja en su estudio cercano al psiquiátrico de Tokyo donde está internada por voluntad propia desde 1977. Y es que desde pequeña ha tenido problemas mentales que le han servido como fuente de inspiración en toda su producción. El arte se convertió en la válvula de escape a su esquizofrenia: “Si no hubiese hecho arte, me hubiera suicidado hace mucho tiempo” declaró una vez.

Instalación Dot Obssesion en el Pompidou

Puntos  multicolores inundan buena parte de su producción, y estos círculos representan más que simples lunares sobre objetos: Kusama llena sus instalaciones con estas figuras que han definido su obra durante toda su carrera artística, asociando la idea del fin de un ciclo y la renovación en el interior de cada ser humano y para que el visitante pueda recrear las mismas experiencias alucinatorias que ella ha sufrido toda su vida.

Yayoi también ha incursionado en el mundo de la moda, en colaboración con Louis Vuitton ha creado productos , bolsos y zapatos cubiertos de brillantes lunares rojo, amarillo y negro: su marca registrada.
En el mes de junio el Malba trae a Buenos Aires la gran restrospectiva de Kusama que giró el año pasado por los más grandes museos europeos. Acá les dejo el video donde esta increible japonesa anuncia su llegada a nuestro país.

Una pintura bajo sospecha

El "Retrato de Duquesnoy", pintado en 1623 por el genio flamenco Anton Van Dyck, es uno de los emblemas del patrimonio artístico belga y  una de las obras  estrella del Museo de Bellas Artes de Bruselas. Sin embargo, un programa de investigación de la televisión pública belga se ha atrevido a poner en duda su autenticidad y afirmar que solo se trata de una copia.
La historia es así: el original de Van Dyck pertenecía a la colección privada del rey Leopoldo II, quien pasó a la historia como propietario de una inmensa colonia africana que luego sería el Congo Belga. En 1890 se produjo un devastador incendio en el palacio de Laeken de Bruselas y, según lo que se publicó entonces, el retrato de Duquesnoy estaría entre las víctimas del accidente. Sin embargo, poco tiempo después, en 1909, figuraba entre la lista del lote de obras de arte que Leopoldo II tenía intención de vender al marchante francés Francis Kleinberguer para recomponer su fortuna. Ante la posibilidad que Bélgica perdiera tal importante obra de su patrimonio, el estado compró al monarca el cuadro en cuestión. Pero, oh, sorpresa! ese mismo año el marchante se anotó la venta de este cuatro a un millonario norteamericano que lo mantuvo en su casa de Nueva York al menos hasta 1929 cuando fue prestado para una exposición dedicada al gran maestro flamenco. Entonces, ¿el rey Leopoldo estafó al estado belga?
La investigación señala que el cuadro que cuelga en el museo de Bellas Artes mide 7 cm menos que lo que figura en la documentación histórica, mientras que el catálogo de la exposición donde se vio por última vez el otro, figuran las medidas exactas. Los descendientes del comprador y los actuales propietarios del apartamento neoyorkino no saben nada de la obra, de modo que no hay manera de realizar comparaciones con el ejemplar colgado en el Museo en donde, además, se niegan a someter a la obra a pruebas agresivas que pudieran dañarlo.
¿Cuál de las obras es auténtica? ¿Será la de Bruselas o la desaparecida de NY? ¿O quizás ambas son falsas y la verdadera se prendió fuego en el incendio? Tal vez nunca lo sepamos.

La maldición de los guerreros chinos

 

En 1974 un campesino descubrió por casualidad en Xian (China) un yacimiento arqueológico fascinante que se mantenía intacto desde hacia más de 2.200 años:  los guerreros de terracota de Xi’an, más de 6000 figuras de tamaño natural que representan a hombres de guerra, sirvientes, guardaespaldas y parte de una corte real. Estas figuras eran solo la punta del iceberg de un descubrimiento aún mayor, la tumba del primer emperador de China, Qin Shihuang.
Este mes, un equipo internacional de arqueólogos ha encontrado las ruinas de un antiguo palacio imperial, el complejo más grande descubierto hasta ahora. Se trata de un palacio de 690 metros de largo y 250 metros que incluye 18 casas de estilo patio con un edificio principal en el centro, una pirámide de tres pisos y 76 metros de altura, cubierta de tierra y preservada por un complejo sistema de drenaje: la tumba real de Qin Shihuang.
Pero el descubrimiento generó frustración y temor: nadie se atreve a entrar a la tumba del emperador porque podría ser una trampa mortal. Si, están frente al mayor descubrimiento de la era moderna... y no pueden tocarlo.
Antiguos escritos detallan cómo su interior esconde tesoros de valor incalculable pero también hablan de trampas que podrían dificultar la apertura de la cripta.  Los planos que han dibujado los arqueólogos chinos usando avanzadas técnicas de volumetría subterránea hacen pensar que el complejo funerario, cuya distribución tampoco está clara, guarda todo tipo de sorpresas desagradables, incluidas flechas que se dispararían solas. Los artesanos que construyeron las trampas pusieron ballestas de forma que si algún saqueador entraba, fuese disparado inmediatamente. Tampoco el Gobierno quiere correr ningún riesgo y se niega a conceder todavía los permisos para investigar la pirámide y el palacio de Qin. Pekín considera que no existe tecnología suficientemente avanzada como para asegurar que el interior no se vea afectado con la apertura, y prefiere esperar al momento adecuado. Así que, por ahora, sigue oculto el secreto mejor guardado de China. ¿Quién quiere ser el Indiana Jones del siglo XXI?

Nefertiti, la más bella del Nilo

Hace exactamente 100 años, el arqueólogo alemán Ludwig Borchard dirigía excavaciones arqueológicas en el valle de Amarna, una región situada en la ribera oriental del Nilo, en las ruinas de la ciudad de Akhetatón, donde se encontraba el hogar del escultor Tutmosis. Allí descubrió un busto de caliza y yeso de veinte kilos y 47 centímetros de altura que representa a la bella y enigmática reina Nefertiti.
La ciudad de Akhetaton fue construida a mediados del siglo XIV a.C.por el faraón Akhenatón, convirtiéndose en un par de años en la nueva capital de Egipto. El faraón buscaba un nuevo lugar de culto al dios Athón, representado iconográficamente por un disco solar cuyos rayos acaban en manos portadoras de la llave de la vida. Akhenatón se mudó a la nueva ciudad junto con su esposa Nefertiti, cuyo nombre se traduce como Bondad de Athón, la bella ha llegado. Su belleza fue legendaria pero también su papel político y religioso ya que se suele hablar de un reinado en colaboración entre Akhenatón y su gran esposa real.
La expedición que descubrió la escultura de Nefertiti era financiada  por el mecenas, coleccionista y empresario James Simon quien la donó al Museo egipcio de Berlín, que la exhibiría hasta 1943 cuando fue destruido durante la Segunda Guerra Mundial. El busto fue trasladado a un lugar seguro y durante el régimen nazi, el ministro prusiano Hermann Göring planteó devolver el Busto de Nefertiti; Hitler sin embargo se negó expresando en un discurso que se trata de "un icono". Tras la guerra, se exhibió en diversos museos berlineses hasta su regreso al Neues Museum en octubre de 2009 tras la rehabilitación del edificio.
Desde 1930 Egipto reclama a Alemania la restitución del busto de Nefertiti, pero Berlín considera que la adquisición se hizo legalmente en 1913 y no están dispuestos a devolverla.
Para celebrar el centenario de su descubrimiento,  el Neues Museum inaugura una exposición que estará abierta al público hasta el 13 de abril de 2013. Im Licht von Amarna. 100 Jahre Fund der Nofretete (A la luz de Amarna. Cien años del hallazgo de Nefertiti) es una muestra que reune además unos 1300 objetos que  ilustran la era de la reina Nefertiti y de su esposo: vasijas, joyería, artículos de cocina, muebles de piedra e incluso el marco esculpido en madera de una puerta.Y por su puesto, brinda la oportunidad de admirar la belleza única de la reina Nefertiti.

Historia de un robo de pelicula

Retrato del Duque de Wellington, Goya

Corre el año 1961 y la National Gallery de Londres exhibe, orgullosa, una obra de Goya comprada en subasta unos meses atrás. Se trata de Retrato del Duque de Wellington, pintado en 1812 por el célebre artista español. Pero pronto la obra se convirtió en noticia al ser robada y ocupó las portadas de la prensa británica.
Pasaron cuatro años y la policia británica seguía desconcertada y sin hallar al culpable cuando apareció un taxista de 61 años, Kempton Bunton, y confesó haberse colado por la ventana de los baños del museo, descolgado el cuadro y habérselo llevado tranquilamente por el mismo sitio por el que entró. Aunque la versión de Bunton no acababa de convencer a la policía, que entendía que por su avanzada edad era difícil que hubiera robado el cuadro él solo, el taxista cumplió tres meses de prisión por autoría material e intelectual del delito.
Ahora el robo vuelve a ser noticia porque el diario The Guardian ha publicado unos documentos  desclasificados recientemente por el Archivo Nacional británico que demuestran que Kempton Bunton no fue el culpable de este robo. La operación fue gestada por su hijo, John Bunton, quien escaló la pared de la National Gallery con una cuerda dejada por unos albañiles, entró en el museo por los baños y se llevó el cuadro para regalárselo a su padre, que tenía una campaña para que los pensionistas dejaran de pagar las licencias para ver la televisión. Aunque su padre fue condenado por el hecho, Bunton confesó su delito cuatro años después en un ataque de pánico tras haber sido arrestado por una ofensa menor. La policia no pudo imputarlo ya que no tenía suficientes pruebas y no pudo encarcelarlo.
Un nuevo final para un robo muy famoso en su momento que, incluso, apareció en la trama del primer filme de James Bond, Agente 007 contra el doctor No (Dr. No, de 1962).

Dalí, estafador

Salvador Dalí fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Siempre utilizó el escandalo como estrategia, su objetivo era atraer la atención pública. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, creó un personaje raro y se rió de todo y de todos.
La ex cantante Amanda Lear, amante de Dalí en 1965, cuando él tenía 61 años y ella 18, ha concedido una entrevista a la revista VSD, en la que cuenta una anécdota hasta ahora desconocida del pintor. Según el relato de Amanda, Dalí vendió por 10.000 dólares un falso pelo de su bigote a Yoko Ono, la viuda de John Lennon. Amanda afirma que fue ella misma quien, enviada por el propio Dalí, fue al jardín a buscar una hierba seca, la colocó en un lindo cofre y luego el pintor se la vendió a la japonesa. Al artista le gustaba estafar a la gente y además pensaba que Yoko Ono era una bruja y temía que lo hechizara. ¿Qué les parece?
Para terminar les cuento que el Centro Pompidou en Paris está presentando una gran retrospectiva de Dalí. Más de doscientas piezas, entre pinturas, esculturas, dibujos e instalaciones de vídeo recorren todos los aspectos de la vida y la  obra del pintor español. La muestra ha sido organizada por el Centro Pompidou en conjunto con el Reina Sofía de Madrid, adonde se trasladará la exhibición a partir de marzo del año próximo.

El Gagnam style también es protesta y solidaridad

Gangnam Style es un tema pop del rapper coreano Psy que es un éxito rotundo y contagioso en todo el mundo. Subido a YouTube en julio, el videoclip enseguida encontró un fuerte impulso viral y en 19 semanas rompió el mayor récord del sitio de videos. Entre otros, lo han bailado en las últimas semanas Madonna, Britney Spears, el secretario general de la ONU, Ban Ki-moon y  nuestro viejo conocido, el artista y disidente chino Ai WeiWei.
 Atento a los fenómenos de moda, Ai realizó una parodia de la canción, como parte de su nada velada critica al autoritario régimen chino que, por sus acidas críticas políticas y denuncias de corrupción, lo sigue manteniendo en prisión domiciliaria. La versión de Ai Weiwei parece filmada en los jardines de su casa de Caochangdi, donde el artista ensaya unos pases de baile vestido con chaqueta y unos anteojos de sol al más puro “estilo Gangnam”. Ai Weiwei luce unas esposas en las muñecas, que, en algunos momentos del vídeo, lo encadenan a uno de sus compañeros de baile. Una denuncia bastante  sutil del proceso judicial que se sigue contra él por presunta evasión fiscal.

Hace pocos días el regimen chino prohibió y retiró de Internet la parodia del Gangnam Style de Ai Weiwei. Y el artista angloindio Anish Kapoor decidió hacer un nuevo video como muestra de solidaridad con Ai Weiwei  y para reclamar libertad de expresión en China. Alrededor de 250 personas relacionadas con el mundo de la cultura y las artes asistieron a la convocatoria de Kapoor y filmaron el video en Londres, con el apoyo de organizaciones como Amnistía Internacional y Liberty.

 ¿Qué les parece? Sin dudas, una original manera de solidarizarse con todos los artistas, escritores, poetas, periodistas, etc. perseguidos y hostigados por sus ideas en el mundo, como lo es Weiwei en China.

Max, el joven que encontró a su doble en una pintura del siglo XVI

Termina la semana y estoy sin mucho tiempo pero quiero compartirles una historia curiosa. No le sucedió a ningun artista famoso y  la obra involucrada  tampoco bate récords en subastas pero igual  vale la pena contarla.
El protagonista de esta historia es el estadounidense Max Galuppo, un alumno de 20 años de la Universidad de Temple. Max paseaba por el Museo de Arte de Filadelfia con su novia, Nikki Curtis, cuando su chica le dijo "¿Has visto que esa pintura italiana del siglo XVI es como tú?"

Y si, nuestro amigo Max encontró a su gemelo de la manera más sorprendente posible: en una pintura italiana del siglo XVI. Poco se sabe sobre la obra de arte, excepto que fue pintada en Emilia, Italia, en 1562. Pero lo también curioso es que la familia del padre de Max es originaria de Florencia, que está a menos de 10 kilómetros al este de Emilia.
El joven ha publicado la foto en las redes sociales y ahora la han visto miles de personas. Hasta está teniendo sus 5 minutos de fama, entrevistado por cadenas y diarios de América.
¿Alguna vez les pasó algo así?  ¿Empezamaso a buscar nuestros dobles en los museos? Todavía no sé si es divertido o escalofriante.

Un mural polémico está de regreso

Proceso de restauración de América Tropical

David Alfaro Siqueiros fue un pintor mexicano, uno de los tres máximos exponentes del muralismo de su país, junto a Diego Rivera (marido de Frida Kahlo) y  José Orozco. El muralismo es un movimiento artístico que nace después de la revolución, con un fin educativo, social y politico de resistencia e identidad nacional y es uno de los logros más destacados del arte público del siglo XX. La mayoría de los artistas tenían ideas marxistas y dejaron plasmadas sus obras en los grandes edificios públicos de Ciudad de México y Guanajuato. El reconocimiento internacional del movimiento contribuyó a que se abrieran nuevas oportunidades y los muralistas empezaron a recibir importantes encargos sobre todo en los Estados Unidos.
El 9 de octubre de 1932 David Alfaro Siqueiros terminó el mural "América tropical" en el centro histórico de Los Ángeles. Siqueiros retrató a dos combatientes mestizos, uno mexicano y el otro peruano, apuntando sus armas contra un águila que abre sus alas sobre dos cruces invertidas, donde está crucificado un indígena semidesnudo: una alegoría de una América oprimida por los Estados Unidos en lucha por su libertad. La polémica imagen no tuvo buena suerte: al año fue censurada y cubierta parcialmente con pintura de cal y terminó por desaparecer completamente una década después. Recién en la década del 60 hubo quienes comenzaron a interesarse por él y finalmente en 1988, el Instituto de Restauración Getty comenzó con el proyecto de restauración, en el que invirtió casi 10 millones de dólares. Después de casi dos décadas el trabajo terminó, dejando atrás un camino difícil de desafíos de ingeniería, trámites burocráticos e inercia política. Hoy, a 80 años de su creación, el mural con todas sus imágenes puede verse de nuevo en la pared sur del segundo piso del Italian Hall, en el centro histórico de Los Angeles. En su estado actual, el mural es un fantasma del original, de colores vivos, pero hasta el último centímetro ha sido meticulosamente limpiado, reparado y estabilizado.

América Tropical hoy

Este mural de Siqueiros no es el único que tiene una historia de censura y olvido. Ya les he contado sobre Ejercicio plástico, realizado en Argentina y que hoy se puede visitar en el Museo del Bicentenario aquí en Buenos Aires.¿Todavía no fueron a verlo?  Los trabajos de los muralistas mexicanos han sido revalorizados en todo el mundo y Buenos Aires tiene el privilegio de contar con un mural maravilloso, no se lo pueden perder!

Historia de amor, locura y arte

Auguste Rodin & Camille Claudel

Esta semana se cumplieron 172 años del nacimiento del francés Auguste Rodin, considerado el primer escultor moderno.Contemporáneo del impresionismo, desterró la idea clásica de estatua rompiendo con los cánones establecidos en la escultura y abrió las puertas de la modernidad gracias a su concepción del arte.
La trayectoria artística de Rodin  tuvo sus idas y venidas, con querellas por motivos técnicos y escándalos moralistas, pero su biografía personal tampoco tiene desperdicio.Y hoy quiero compartir con ustedes su historia de amor con Camille Claudel, a quien el llamaba la mujer de su vida.
El arte los unió: Camille era una prometedora escultora con grandes y llamativos ojos verdes que, a los 20 años, logró el apoyo de su familia para comenzar a trabajar en el taller en el que también estaba el que más tarde sería, además de su mentor, su amante: Auguste Rodin.
 El viejo maestro comienza un idilio con la joven, vigilando con recelo y temor su habilidad técnica con la escultura. La artista habría podido destacar por sí misma, pero entonces resultaba inconcebible que la discípula llegase a ser mejor que su maestro. Rodin le permitió participar en muchas de sus grandes esculturas. Camille contaba que él se aprovechaba de ella, que las obras que presentaba como propias eran producto de su talento menospreciado.
La relación duró casi diez años. Y los ataques de celos y peleas fueron públicos y constantes. Él, casado, nunca se planteó dejar a su esposa, al igual que tampoco quiso hacerlo con la otra amante "estable" que ya tenía.Camille quedó embarazada pero Rodin tampoco cambió de opinión. Ella abortó y los celos, degradaciones y presiones terminaron por romper su relación y llevaron a Camille a perder por completo la cordura.
Camille tuvo el peor final, terminó encerrada en el sanatorio psiquiátrico de Montdevergues durante 30 años. Allí murió sola. Abandonada por todo el mundo, incluida su familia.
Entre la correspondencia de Rodin  hay una carta dirigida a Camille en la que él deja por escrito la promesa, mil veces rota, de que ella sería la única mujer en su vida.
Si se quedan con ganas de saber más, esta historia de amor también tiene su pelicula: La pasión de Camille Claudel, protagonizada por Isabelle Adjani y Gerard Depardieu como Rodin.

Premio para un vándalo

El Picasso antes,durante y después del vandalismo

 Hace pocos meses comentamos una noticia sobre vandalismo ocurrido en un museo de Houston, EEUU. Un hombre atacó una obra de Pablo Picasso y su agresión quedó registrada en un video por otro visitante del museo. Gracias a ese video casero el atacante fue aprehendido y todos pensamos que pasaría un tiempo en prisión, ya que el delito es punible con una condena de entre 2 y 10 años. Nos equivocamos. El vándalo, un mexicano-estadounidense de 22 años, llamado Uriel Landeros, espera el juicio en libertad. Y no solo eso, gracias a la exposición pública que logró con su acto, llamó la atención de una galería de Houston, Cueto James Art Gallery, que decidió premiar a este señor con su propia muestra. Si, tal como lo leen, bajo el titulo Houston we have a problem, se exhibirán doce pinturas del  señor que arruinó la pintura de Picasso. El dueño de la galería se llama James Pérez y afirma  que le gusta lo que hizo Uriel.
No sé ustedes, pero a mi no me gusta, considero que un artista es alguien que crea, no alguien que destruye. Estoy en desacuerdo total con que un tipo se gane la oportunidad de tener su primera muestra individual como artista gracias a un acto de vandalismo.